PRESENTADO POR:
ALBA CECILIA CASTAÑEDA
AL TUTOR:
YURY JAAMAN
ALBA CECILIA CASTAÑEDA
AL TUTOR:
YURY JAAMAN
sábado, 23 de abril de 2011
APRENDIZAJE BASADO EN PROBLEMAS
Soy estudiante de artes de primer semestre en Paris. La universidad en donde estudian, les ha pedido que definan el énfasis en el cual profundizarán dentro de las diferentes expresiones del arte y lo redefinan articulándolo con la teoría Estética (Curso de Estética).
Mi énfasis de profundización será sobre la música, para lo cual daré como primera mediada, mi concepción de la música.
Luego para ubicarme un poco más dentro del contexto de este arte y poder comprenderlo mejor, daré una breve introducción a su historia, seguida de una recopilación de los hechos más significativos de la misma através del tiempo.
CONCEPCIÓN DE LA MÚSICA DESDE EL CONTENIDO DEL MÓDULO DE ESTÉTICA
En el contenido del módulo de estética, capítulo de Bellas Artes, se aborda la cuestión de la música de la siguiente forma:
Tradicionalmente se ha entendido por música el arte de combinar los sonidos de instrumentos o de la VOZ humana con el fin de expresar o comunicar emociones, sentimientos o ideas. En un sentido más laxo, se habla de músicas sin referencia a los instrumentos —tan variados como posibles son las fuentes vibratorias—, como una combinación armónica de sonidos o, simplemente, combinación intencionada de los mismos. La música es la más abstracta de las siete bellas artes y su lenguaje se dirige directamente al sentimiento, a la receptividad sensible del oyente. Si se ha afirmado que el arte pretende reflejar el alma o la esencia de la vida y de las cosas, al arte musical también va dirigido a los más intimo de las personas; de ahí que se hayan expresado definiciones de la música como la que hizo Beethoven, que afirmó que ―la música es el eslabón que liga la vida espiritual con la vida de los sentidos‖.
Tradicionalmente se ha entendido por música el arte de combinar los sonidos de instrumentos o de la VOZ humana con el fin de expresar o comunicar emociones, sentimientos o ideas. En un sentido más laxo, se habla de músicas sin referencia a los instrumentos —tan variados como posibles son las fuentes vibratorias—, como una combinación armónica de sonidos o, simplemente, combinación intencionada de los mismos. La música es la más abstracta de las siete bellas artes y su lenguaje se dirige directamente al sentimiento, a la receptividad sensible del oyente. Si se ha afirmado que el arte pretende reflejar el alma o la esencia de la vida y de las cosas, al arte musical también va dirigido a los más intimo de las personas; de ahí que se hayan expresado definiciones de la música como la que hizo Beethoven, que afirmó que ―la música es el eslabón que liga la vida espiritual con la vida de los sentidos‖.
RECONFIGURACIÓN DEL CONCEPTO DE MÚSICA DESDE LA ESTÉTICA
LA MÚSICA
ES UNA EXPRESIÓN DEL ARTE EN DONDE SECONJUGAN EMOCIONES SENSACIONES SENTIMIENTOS Y SONIDOS MEDIANTE EL EQUILIBRIO ARMÓNICO.
La música (del griego: μουσική [τέχνη] - musiké [téjne], "el arte de las musas") es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. De todos modos, desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que hay destacados compositores que, en el marco de diversas experiencias, han realizado experiencias que, si bien son musicales, expanden los límites de la definición de este arte.
La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptual del individuo, así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, etc.
La belleza no está en los sonidos que transmite, sino en las sensaciones que puede llegar a producir en los oyentes, dmediante las más bellas manifestaciones del arte.
ACONTECIMIENTOS IMPORTANTES
HISTORIA DE LA MÚSICA Y LA CERONOLOGÍA DE SU ORDENACIÓN EN EL TIEMPO.
Año 1000: Edad Media: Período Románico ( año 840 hasta 1250 ). Se dan los primeros pasos de la música Polifónica y se desarrolla el arte de los trovadores. Guido D Arezzo inventa la SOLMISACIÓN, nombrando los caracteres musicales con los actuales nombres de: Do - Re - Mi - Fa - Sol - La.
Año 1200: Período Gótico Arte de la Polifonía. Junto con la lengua Romance, surge la poesía trovadoresca Compositor de esa época Felipe de Vitry. El llamo a este período "Ars Nova Mensurábilis " (Arte nuevo de la medida) En oposición del período anterior "Ars Antiquas". Los instrumentos musicales de la época fueron: violas, arpas, laudes, orlos, sacabuches y pequeña percusión. Además del canto. Los Minnesinger (en Alemania ) son los cantores germanos nobles que dedican sus espectaculares improvisaciones, realizando torneos de cantores. Los Meistersinger: son los maestros cantores, que forman escuelas burguesas de cantores. Maestro de la época es Hans Sachs. La música estaba dividida en religiosa y profana. Las cantigas de Alfonso el Sabio: importantísimo monumento musical que trata de conciliar el arte popular con el arte docto y modalidad gregoriana.
Año 1400: Utilización de la escritura Proporcional. Se deja de emplear el ritmo prosódico por el ritmo métrico, permitiendo en el canto un tipo de fraseo isorrítmico. Aparece la música mensurata con nuevos caracteres y medidas, proporcionando mayor variedad y posibilidades rítmicas.
Año 1500: Renacimiento: Toma su denominación de las otras artes . No tiene características propias desde el punto de vista estilístico. Continua desarrollándose la polifonía sobre todo la polifonía vocal " a capella ". Giuseppe Zarlino: Considerados por muchos como el creador de la actual armonía. Es el autor del famoso tratado " Instititione Armoniche ", en el que justifica física y armónicamente los modos y los acordes mayores y menores, basándose en los sonidos armónicos y concomitantes, que son componentes de un fundamental. Además Zarlino es el propulsor del " temperamento ", que luego iba a unificar la afinación de los sonidos. Orlando Di Lassus, compositor destacado de su tiempo, dejó mas de 2000 composiciones religiosas y profanas, en varios idiomas, ya que recorrió en su vida países como: Inglaterra, Francia, Italia, Holanda y Alemania. Tomás Luis de Victoria, (español) es una de las figuras más destacadas de la música polifónica mundial. Giovanni Gabrielli (italiano) da un paso adelante al drama musical escribiendo " Sinfonías Sacras": corales con acompañamientos de cornetas, violas y trombones, lo cual resulta insólito en su tiempo. Es uno de los pioneros del arte instrumental, el cual comienza imitando las estructuras corales polifónicas o armónicas. Giovanni Pierluigi da Palestrina es una de las máximas personalidades de la Historia de la Música, por su equilibrio, expresión y nobleza, por su estilo siempre sereno, lo hacen un ejemplo del compositor coral y maestro de la polifonía. Al finalizar el año 1590 aproximadamente, en la capilla u Oratorio de San Girolamo de la Caritá, en Roma, San Felipe Neri inaugura una acción artístico-religiosa, dirigida a entretener al pueblo, con ánimo de apartarlo del carnaval, que en aquel tiempo era particularmente inmoral. Así se inician audiciones musicales con "motetes" cortos acompañados con clavicordio, lira doble, flautas, violín y bajo. La idea es ampliada por Emilio del Cavalieri, cuyo sentido teatral se proyecta mejor sobre la atención de la gente, de esta manera nace el Oratorio que junto con la Cantata, cuya trama argumental puede ser profana, son dos de las grandes formas vocales del período Barroco. Ya en este período se van perfeccionando los instrumentos y la escritura musical con tablaturas. Hay distintas escuelas : Laúd francés, Laúd italiano, Laúd alemán, Vihuela española, Organistas Españoles, Italianos, Alemanes, Ingleses est. Los estudios organísticos eran largos y sacrificados, ya que un organista, era a la vez un maestro de coro y de liturgia musical, se requería unos 20 años de estudio( latín, conservación y afinación del instrumento, improvisación, composición etc. ) Girólamo Frescobaldi , organista de la capilla Julia de San Pedro, Roma, se puede decir que fue uno de los organistas y compositor mas avanzado de su tiempo
Año 1600: Período Barroco: Uno de los períodos más importantes en la historia de la música. Paulatinamente se abandonan las combinaciones de voces superpuestas, es decir el arte de la Polifonía, provocando el advenimiento del estilo Homofónico; y con la Armonía, el Cromatismo, el Bajo cifrado o numerado, el Bajo Continuo y giros melódicos muy particulares; aparecen y toman auge nuevas formas musicales: La Opera , el Oratorio y la Cantata; junto con todas las formas instrumentales como: Preludio, Sonata, Fuga, Variación, Concierto, Toccata, Suite. Juan Sebastian Bach fue uno de los más importantes compositores musicales por la proyección que sus obras tuvieron con respecto a sus antecesores, a sus contemporáneos y a los músicos que le sucedieron. Su vida fue fecunda en obras importantísimas, tanto es así que sus biógrafos dividieron su producción en cuatro períodos. Entre sus grandes obras encontramos dos de gran valor musical y didáctico perdurable y universal "El arte de la fuga" Y "El clave bien temperado". Esta última fue llamada como él: " el viejo testamento de la música", ya que con ella afirma y confirma "el temperamento musical" (afinación temperada). Antonio Vivaldi y Jorge Federico Haendel otros dos grandes compositores de este período uno de Italia y el otro alemán, aunque su mayor producción la realizo en Inglaterra.
Año 1700: Pantaleón Hebenstreit inventó una especie de Zimbalon con teclado. Era una especie de salterio popular húngaro cuyas cuerdas son percutidas con martillos que se tienen con ambas manos. Bartolomé Cristófori lo perfecciona con la aplicación de un teclado y una mecánica al laúd, dio origen a los primeros clavicordios Gottfried Silbermann lo industrializa perfeccionandolo aún más, suscitando de inmediato el desarrollo del pianoforte, que en sus comienzos se llamó: " gravicénbalo col piano e forte ". Su nombre se debió a que se puede obtener con la sola presión de los dedos del ejecutante, los fuertes y los pianos, los crescendos y diminuendos; favoreciendo de esta manera el elemento dinámico expresivo de la música.
Año 1740: Comienzo del período Clásico, que aunque fue muy corto pues dura hasta el 1800, no por esto deja de ser un período muy importante en la historia de la música. El equilibrio en las formas, la claridad de los diseños y la mesura fueron los ideales sobre los que se elaboraron las obras clásicas. Los Máximos exponentes de este período son: José Haydn y Wolgang Amadeus Mozart. Aparecen y toman auge formas musicales muy importantes como la Sinfonía, la Sonata clásica, el Concierto y la Ópera. Ludvig van Beethoven, compositor importantísimo de este período aunque algunas de sus grandes composiciones como la 9º Sinfonía ya deja traslucir el espíritu inquieto y revolucionario de una época de transición entre el clasicismo y el romanticismo. (revolución Francesa)
Año 1800: Período Romántico. Los compositores cultivan con preferencia las piezas cortas denominadas de carácter. Sin embargo la tradición sinfónica continúa. Aparece El Lied, El Poema Sinfónico, toma gran impulso la Opera, las obras para Piano adquieren gran importancia y las formas libres. Los compositores más importantes de acuerdo a sus piases fueron: en Alemania: Brahms, Frack, Mahler, Wagner. En Italia José Verdi, En Polonia Chopin. En Viena Schubert, En Sajonia: Schumann. A fines del 1800 nacen las escuelas nacionales y en Francia, Claudio Aquiles Debussy, da nacimiento al movimiento impresionista.
Año 1900: Período Contemporaneo. Por la diversidad de corrientes estéticas, solamente enunciaremos las mismas con los compositores más destacados:
Impresionismo: Claudio Aquiles Debussy - Mauricio Ravel
Neoclasicismo: Igor Stravinsky - Mauricio Ravel Franck Martin
Neorromanticismo: Ricardo Strauss - Sergio Rachmaninov - Juan Sibelius
Neobarroquismo: Paul Hindemiht
Neoimpresionismo: Olivier Messiaen.
Atonalismo: Arnold Schoenberg
Dodecafonismo: Arnold Schoenberg - Alban Berg - Antonio von Webern
Música Serial: Pierre Boulez - Luigi Nono - Stockhausen
Música microtonal o microtonalismo: Aloi Haba - Julian Carrillo
Música electrónica Stockhausen - Heiss - Eimert - Meyer Eppler.
Año 1910: El Jazz Sus orígenes son: El Negro Spirituals. Los Blues y el Ragtime. Y es en Chicago donde nace la palabra por primera vez pero es en Nueva Orleáns que ya desde el siglo pasado existían mas de 200 salones de bailes y casas de bebidas, desde los establecimientos mas lujosamente instalados hasta los antros mas siniestros. En esta atmósfera depravada fue donde el Jazz floreció y se desarrollo. Por ser esta ciudad cosmopolita y luego de la abolición de la esclavitud, fueron muchos los negros que acudieron a Nueva Orleáns, encontrando empleos como músicos; adquiriendo los instrumentos de viento que vendían los músicos militares blancos después de la guerra civil. Como nadie les enseñaba como tocarlos, tuvieron que aprender solos, averiguar como manejaran dichos instrumentos, como resultado descubrieron una manera muy particular de tocar completamente propia. Formaron pequeñas bandas negras de jazz, que tocaban primero marchas, pero aunque conservaban la instrumentación que las bandas militare de los blancos, la interpretaban a su manera particular con su ritmo sincopado, elástico e incomparable. El estilo libremente improvisado es lo más representativo del autentico Jazz. Pero las orquesta de blancos también trataron de imponer su estilo y aparece el Dixieland, que es la música de jazz interpretada por blancos con características propias. En 1917 fueron clausurados todos los establecimientos de diversión en Nueva Orleáns, por orden del Gobierno de los Estados Unidos El Jazz carecía de hogar propio y sus exponentes tuvieron que emigrar remontando el Missisipi : Los principales músicos se abrieron camino en Chicago donde el Jazz consigue su más brillante período Grandes y famosos músicos del jazz fueron: Joseph " King" Oliver - Freddie Keppard - Loui Armstrong - Tommy Ladnier (musicos negros). Los músicos blancos fueron : Eddie Condon - Benny Goodman - Rusell - Mezzrow - Joe Sullivan - Jess Stacy - Muggy Spanier - Gene Krupa. Otros centros del Jazz fueron Sait - Louis, Kansas City y Nueva York, que en el barrio negro del Harlen es donde se instala y se consolida.
Año 1930: aunque la crisis económica en 1929, tuvo gran repercución en el negocio de la diversión. Muchas bandas se disolvieron y otras se agruparon en grandes bandas como : Fletcher Henderson - Duke Ellington.
Año 1940: Década de la 2º guerra mundial. Benny Goodman forma su orquesta que como banda militar viaja a Europa para distraer a los soldados al finalizar la misma continúa con la banda con un particular estilo de música para ser bailada, utiliza por primera vez la palabra "Swing". Este musico, director y clarinetista mezclo los músicos negros con los blancos.
Año 1950 También hubieron grandes cantantes de Jazz vocal como: Ella Fitzgerald, Ethel Waters, Billi Holiday , Sara Vaughan
Año 1952: MÚS. La expresión rock and roll, apareció por vez primera en 1952 en Cleveland, en un programa de radio que se proponía emitir música negra de rhythm and blues para un público blanco. Un músico negro, Fats Domino, y un músico blanco, Hawk Williams, fueron los precursores del rock and roll
. El primero, popularizando el rhythm and blues con éxitos como Ain't
that a shame entre la juventud norteamericana. Y el segundo, inspirándose en el hillbilly para darle su estructura al rock and roll.
Año 1954: Bill Haley combinó los estilos de ambos músicos en su "Rock around the clock", con el que nació oficialmente el rock and roll
Éste se impuso enseguida y dio lugar a la formación de dos corrientes: por una parte, el rockabilly, interpretado únicamente por blancos sobre todo del sur de EE UU (Elvis Presley, Buddy Holly, Eddie Cochran, Ricky Nelson, Gene Vincent, Carl Perkins, Jerry Lee Lewis), y, por otra, el rock and roll negro surgido directamente del blues, más violento y rápido (Little Richard, Bo Diddley, Chuck Berry).
Año 1954: Presley, Elvis (Tupelo, Mississippi, 1935-Memphis, 1977) Cantante estadounidense. Descubierto en 1954 por Sam Phillips, muy pronto fue considerado rey del rock and roll. Con su expresión escénica
agresivamente sexual en Heartbreak hotel (1956) protagonizó un escándalo televisivo, recibiendo el sobrenombre de Elvis the pelvis. En ese mismo año rodó su primera película, Love Me Tender, a la que siguieron otras como Jailhouse rock (1957), King Creole (1958), El
indómito (1961) o Cita en Las Vegas (1964), todas ellas de gran éxito
comercial. En esos años Presley evolucionó hacia las baladas suaves,
pero en 1969 volvió al rock, logrando un éxito clamoroso con In the ghetto. Convertido desde entonces en ídolo de la clase media norteamericana, pasó sus últimos años recluido en su mansión de Memphis.
Año 1960: The Beatles, Conjunto musical inglés formado por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr. Comenzó sus actividades en Liverpool y alcanzó el éxito a partir de 1962. Disuelto en 1970, dejó tras de sí una inmensa popularidad entre la juventud, numerosas grabaciones discográficas y cuatro películas.
Año 1970: La música pop, nacida del contacto entre el blues negro y el rock, se definió en Who, Soft Machine y Pink Floyd en Gran Bretaña; Beach Boys, Jefferson Airplane, Mothers of un principio como la músicacomercial destinada al público joven. La aparición de los Beatles dio un sentido más preciso al término, y tras ellos, la música pop fue cultivada por otros grupos (Rolling Stones, Animals, Yardbirds, Moody Blues, The Invention, Byrds, Credence Clearwater Revival y Doors en EE UU) y por cantantes como Tom Jones, Elton John, Joe Cocker, Janis Joplin y otros que, como Bob Dylan y Joan Baez, dieron un contenido de protesta (contra las injusticias sociales y la guerra deVietnam) a sus canciones. La música pop también estuvo representada por guitarristas como Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jimmy Page y Mick Taylor. A partir de 1970, las dificultades para organizar festivales como los de Woodstock y la isla de Wight y la separación de los Beatles significaron el final de toda una época y el regreso a géneros muy diferentes a los que, sin embargo, se sigue aplicando el término música pop por razones estrictamente comerciales.
Historia de el Tango en la Argentina
El Tango baile originado en Buenos Aires en la primera mitad del s. XIX, en el que una pareja enlazada evoluciona en un espacio amplio.
MÚS. y DANZA. El tango es de origen incierto y de múltiples modalidades, entre las que destacan el tango flamenco, el antillano, el mexicano, el milonga y el más conocido y popular, el argentino.
Éste se empezó a interpretar en las calles suburbanas argentinas de la primera mitad del s. XIX, al compás de organillos callejeros y sólo por hombres, como una expresión del desgarro y el desarraigo de los inmigrantes. En sus principios fue considerada una danza prohibida por la buena sociedad bonaerense, debido a su ritmo violento, su erotismo y a que los que la practicaban vivían, en su gran mayoría, fuera de la ley. Los instrumentos típicos son la flauta, el piano y el bandoneón o acordeón piano. Musicalmente está escrito en compás de 2/4 y tiene forma binaria. A principios del s. XX, el tango penetró en el viejo Buenos Aires y se convirtió en un símbolo nacional argentino. La conquista del mercado internacional se produjo después de la I Guerra Mundial, cuando el tango se introdujo en Europa gracias a la aparición de numerosas casas discográficas dedicadas a su difusión -más de veinte, entre ellas Columbia, Records, Odeon, Victor-. Esto coincidió con la transición dentro del género hacia una nueva forma de entender el tango, incorporando otros instrumentos nobles, como el piano o el contrabajo, y respondiendo a la gran demanda que había creado la industrialización del mercado. La
«Vieja guardia» marcaría la dirección purista, basada en la improvisación de melodías y letras, frente a esa línea consumista, la «Nueva guardia», con Enrique Santos Discépolo como su más inspirado autor y Carlos Gardel su mejor intérprete, aplicada a satisfacer las necesidades de un mercado devaluado. La otra dirección que adoptó el tango después de la II Guerra Mundial es la opción crítica, que hace del tango una canción de protesta social.
Año 1915: Gardel, Carlos Gardés, llamado Carlos (Toulouse, 1890-Medellín, 1935) Cantante y actor argentino de origen francés. Acompañado de su madre, emigró a Argentina a los tres años. Durante sus primeros pasos artísticos, siendo aún muy joven, se hizo llamar el Morocho, nombre con el que recorrió los arrabales de Buenos Aires y Montevideo. En 1915 formó dúo con J. Razzano, con quien mantuvo sociedad artística durante diez años. Después de separarse de su compañero, inició una gira por Europa en 1925, año en que debutó en el teatro Apolo de Madrid y en París. En 1928, y con 70.000 discos vendidos en tres meses, fue reconocido internacionalmente como el mejor intérprete del tango argentino. En pleno apogeo de su fama, un accidente aéreo truncó su carrera y su vida. Además de interpretar éxitos como Caminito, Por una cabeza o Yira, fue compositor de sus propios tangos, entre los que destacan Arrabal amargo, Mi Buenos Aires querido, Melodía de arrabal, Sus ojos se cerraron y Volver. Su actividad cinematográfica se centró en Francia y en Hollywood, y sus películas, aunque mediocres, tuvieron gran éxito gracias a su voz y a su personalidad: Flor de durazno (1917), Luces de Buenos Aires (1931), Cuesta abajo (1934) y Tango Bar (1935).
Año 1935: Piazzola, Astor (Mar del Plata, 1921-Buenos Aires, 1992) Bandoneonista y compositor argentino. Estudió música en Nueva York y a los trece años grabó la banda musical de la película El día que me quieras de Carlos Gardel.
Entre 1946 y 1953: Piazzola compuso varias obras de música de cámara y sinfónica y popular (Rapsodia porteña, Sinfonía Buenos Aires, Balada para un loco)
Año 1954: Piazzola, tras una estancia en París inició una profunda renovación que desembocó en la creación de un tango moderno con influencias de música clásica y jazzística (lo que el compositor llamó «música contemporánea de Buenos Aires»).
Año 1200: Período Gótico Arte de la Polifonía. Junto con la lengua Romance, surge la poesía trovadoresca Compositor de esa época Felipe de Vitry. El llamo a este período "Ars Nova Mensurábilis " (Arte nuevo de la medida) En oposición del período anterior "Ars Antiquas". Los instrumentos musicales de la época fueron: violas, arpas, laudes, orlos, sacabuches y pequeña percusión. Además del canto. Los Minnesinger (en Alemania ) son los cantores germanos nobles que dedican sus espectaculares improvisaciones, realizando torneos de cantores. Los Meistersinger: son los maestros cantores, que forman escuelas burguesas de cantores. Maestro de la época es Hans Sachs. La música estaba dividida en religiosa y profana. Las cantigas de Alfonso el Sabio: importantísimo monumento musical que trata de conciliar el arte popular con el arte docto y modalidad gregoriana.
Año 1400: Utilización de la escritura Proporcional. Se deja de emplear el ritmo prosódico por el ritmo métrico, permitiendo en el canto un tipo de fraseo isorrítmico. Aparece la música mensurata con nuevos caracteres y medidas, proporcionando mayor variedad y posibilidades rítmicas.
Año 1500: Renacimiento: Toma su denominación de las otras artes . No tiene características propias desde el punto de vista estilístico. Continua desarrollándose la polifonía sobre todo la polifonía vocal " a capella ". Giuseppe Zarlino: Considerados por muchos como el creador de la actual armonía. Es el autor del famoso tratado " Instititione Armoniche ", en el que justifica física y armónicamente los modos y los acordes mayores y menores, basándose en los sonidos armónicos y concomitantes, que son componentes de un fundamental. Además Zarlino es el propulsor del " temperamento ", que luego iba a unificar la afinación de los sonidos. Orlando Di Lassus, compositor destacado de su tiempo, dejó mas de 2000 composiciones religiosas y profanas, en varios idiomas, ya que recorrió en su vida países como: Inglaterra, Francia, Italia, Holanda y Alemania. Tomás Luis de Victoria, (español) es una de las figuras más destacadas de la música polifónica mundial. Giovanni Gabrielli (italiano) da un paso adelante al drama musical escribiendo " Sinfonías Sacras": corales con acompañamientos de cornetas, violas y trombones, lo cual resulta insólito en su tiempo. Es uno de los pioneros del arte instrumental, el cual comienza imitando las estructuras corales polifónicas o armónicas. Giovanni Pierluigi da Palestrina es una de las máximas personalidades de la Historia de la Música, por su equilibrio, expresión y nobleza, por su estilo siempre sereno, lo hacen un ejemplo del compositor coral y maestro de la polifonía. Al finalizar el año 1590 aproximadamente, en la capilla u Oratorio de San Girolamo de la Caritá, en Roma, San Felipe Neri inaugura una acción artístico-religiosa, dirigida a entretener al pueblo, con ánimo de apartarlo del carnaval, que en aquel tiempo era particularmente inmoral. Así se inician audiciones musicales con "motetes" cortos acompañados con clavicordio, lira doble, flautas, violín y bajo. La idea es ampliada por Emilio del Cavalieri, cuyo sentido teatral se proyecta mejor sobre la atención de la gente, de esta manera nace el Oratorio que junto con la Cantata, cuya trama argumental puede ser profana, son dos de las grandes formas vocales del período Barroco. Ya en este período se van perfeccionando los instrumentos y la escritura musical con tablaturas. Hay distintas escuelas : Laúd francés, Laúd italiano, Laúd alemán, Vihuela española, Organistas Españoles, Italianos, Alemanes, Ingleses est. Los estudios organísticos eran largos y sacrificados, ya que un organista, era a la vez un maestro de coro y de liturgia musical, se requería unos 20 años de estudio( latín, conservación y afinación del instrumento, improvisación, composición etc. ) Girólamo Frescobaldi , organista de la capilla Julia de San Pedro, Roma, se puede decir que fue uno de los organistas y compositor mas avanzado de su tiempo
Año 1600: Período Barroco: Uno de los períodos más importantes en la historia de la música. Paulatinamente se abandonan las combinaciones de voces superpuestas, es decir el arte de la Polifonía, provocando el advenimiento del estilo Homofónico; y con la Armonía, el Cromatismo, el Bajo cifrado o numerado, el Bajo Continuo y giros melódicos muy particulares; aparecen y toman auge nuevas formas musicales: La Opera , el Oratorio y la Cantata; junto con todas las formas instrumentales como: Preludio, Sonata, Fuga, Variación, Concierto, Toccata, Suite. Juan Sebastian Bach fue uno de los más importantes compositores musicales por la proyección que sus obras tuvieron con respecto a sus antecesores, a sus contemporáneos y a los músicos que le sucedieron. Su vida fue fecunda en obras importantísimas, tanto es así que sus biógrafos dividieron su producción en cuatro períodos. Entre sus grandes obras encontramos dos de gran valor musical y didáctico perdurable y universal "El arte de la fuga" Y "El clave bien temperado". Esta última fue llamada como él: " el viejo testamento de la música", ya que con ella afirma y confirma "el temperamento musical" (afinación temperada). Antonio Vivaldi y Jorge Federico Haendel otros dos grandes compositores de este período uno de Italia y el otro alemán, aunque su mayor producción la realizo en Inglaterra.
Año 1700: Pantaleón Hebenstreit inventó una especie de Zimbalon con teclado. Era una especie de salterio popular húngaro cuyas cuerdas son percutidas con martillos que se tienen con ambas manos. Bartolomé Cristófori lo perfecciona con la aplicación de un teclado y una mecánica al laúd, dio origen a los primeros clavicordios Gottfried Silbermann lo industrializa perfeccionandolo aún más, suscitando de inmediato el desarrollo del pianoforte, que en sus comienzos se llamó: " gravicénbalo col piano e forte ". Su nombre se debió a que se puede obtener con la sola presión de los dedos del ejecutante, los fuertes y los pianos, los crescendos y diminuendos; favoreciendo de esta manera el elemento dinámico expresivo de la música.
Año 1740: Comienzo del período Clásico, que aunque fue muy corto pues dura hasta el 1800, no por esto deja de ser un período muy importante en la historia de la música. El equilibrio en las formas, la claridad de los diseños y la mesura fueron los ideales sobre los que se elaboraron las obras clásicas. Los Máximos exponentes de este período son: José Haydn y Wolgang Amadeus Mozart. Aparecen y toman auge formas musicales muy importantes como la Sinfonía, la Sonata clásica, el Concierto y la Ópera. Ludvig van Beethoven, compositor importantísimo de este período aunque algunas de sus grandes composiciones como la 9º Sinfonía ya deja traslucir el espíritu inquieto y revolucionario de una época de transición entre el clasicismo y el romanticismo. (revolución Francesa)
Año 1800: Período Romántico. Los compositores cultivan con preferencia las piezas cortas denominadas de carácter. Sin embargo la tradición sinfónica continúa. Aparece El Lied, El Poema Sinfónico, toma gran impulso la Opera, las obras para Piano adquieren gran importancia y las formas libres. Los compositores más importantes de acuerdo a sus piases fueron: en Alemania: Brahms, Frack, Mahler, Wagner. En Italia José Verdi, En Polonia Chopin. En Viena Schubert, En Sajonia: Schumann. A fines del 1800 nacen las escuelas nacionales y en Francia, Claudio Aquiles Debussy, da nacimiento al movimiento impresionista.
Año 1900: Período Contemporaneo. Por la diversidad de corrientes estéticas, solamente enunciaremos las mismas con los compositores más destacados:
Impresionismo: Claudio Aquiles Debussy - Mauricio Ravel
Neoclasicismo: Igor Stravinsky - Mauricio Ravel Franck Martin
Neorromanticismo: Ricardo Strauss - Sergio Rachmaninov - Juan Sibelius
Neobarroquismo: Paul Hindemiht
Neoimpresionismo: Olivier Messiaen.
Atonalismo: Arnold Schoenberg
Dodecafonismo: Arnold Schoenberg - Alban Berg - Antonio von Webern
Música Serial: Pierre Boulez - Luigi Nono - Stockhausen
Música microtonal o microtonalismo: Aloi Haba - Julian Carrillo
Música electrónica Stockhausen - Heiss - Eimert - Meyer Eppler.
Año 1910: El Jazz Sus orígenes son: El Negro Spirituals. Los Blues y el Ragtime. Y es en Chicago donde nace la palabra por primera vez pero es en Nueva Orleáns que ya desde el siglo pasado existían mas de 200 salones de bailes y casas de bebidas, desde los establecimientos mas lujosamente instalados hasta los antros mas siniestros. En esta atmósfera depravada fue donde el Jazz floreció y se desarrollo. Por ser esta ciudad cosmopolita y luego de la abolición de la esclavitud, fueron muchos los negros que acudieron a Nueva Orleáns, encontrando empleos como músicos; adquiriendo los instrumentos de viento que vendían los músicos militares blancos después de la guerra civil. Como nadie les enseñaba como tocarlos, tuvieron que aprender solos, averiguar como manejaran dichos instrumentos, como resultado descubrieron una manera muy particular de tocar completamente propia. Formaron pequeñas bandas negras de jazz, que tocaban primero marchas, pero aunque conservaban la instrumentación que las bandas militare de los blancos, la interpretaban a su manera particular con su ritmo sincopado, elástico e incomparable. El estilo libremente improvisado es lo más representativo del autentico Jazz. Pero las orquesta de blancos también trataron de imponer su estilo y aparece el Dixieland, que es la música de jazz interpretada por blancos con características propias. En 1917 fueron clausurados todos los establecimientos de diversión en Nueva Orleáns, por orden del Gobierno de los Estados Unidos El Jazz carecía de hogar propio y sus exponentes tuvieron que emigrar remontando el Missisipi : Los principales músicos se abrieron camino en Chicago donde el Jazz consigue su más brillante período Grandes y famosos músicos del jazz fueron: Joseph " King" Oliver - Freddie Keppard - Loui Armstrong - Tommy Ladnier (musicos negros). Los músicos blancos fueron : Eddie Condon - Benny Goodman - Rusell - Mezzrow - Joe Sullivan - Jess Stacy - Muggy Spanier - Gene Krupa. Otros centros del Jazz fueron Sait - Louis, Kansas City y Nueva York, que en el barrio negro del Harlen es donde se instala y se consolida.
Año 1930: aunque la crisis económica en 1929, tuvo gran repercución en el negocio de la diversión. Muchas bandas se disolvieron y otras se agruparon en grandes bandas como : Fletcher Henderson - Duke Ellington.
Año 1940: Década de la 2º guerra mundial. Benny Goodman forma su orquesta que como banda militar viaja a Europa para distraer a los soldados al finalizar la misma continúa con la banda con un particular estilo de música para ser bailada, utiliza por primera vez la palabra "Swing". Este musico, director y clarinetista mezclo los músicos negros con los blancos.
Año 1950 También hubieron grandes cantantes de Jazz vocal como: Ella Fitzgerald, Ethel Waters, Billi Holiday , Sara Vaughan
Año 1952: MÚS. La expresión rock and roll, apareció por vez primera en 1952 en Cleveland, en un programa de radio que se proponía emitir música negra de rhythm and blues para un público blanco. Un músico negro, Fats Domino, y un músico blanco, Hawk Williams, fueron los precursores del rock and roll
. El primero, popularizando el rhythm and blues con éxitos como Ain't
that a shame entre la juventud norteamericana. Y el segundo, inspirándose en el hillbilly para darle su estructura al rock and roll.
Año 1954: Bill Haley combinó los estilos de ambos músicos en su "Rock around the clock", con el que nació oficialmente el rock and roll
Éste se impuso enseguida y dio lugar a la formación de dos corrientes: por una parte, el rockabilly, interpretado únicamente por blancos sobre todo del sur de EE UU (Elvis Presley, Buddy Holly, Eddie Cochran, Ricky Nelson, Gene Vincent, Carl Perkins, Jerry Lee Lewis), y, por otra, el rock and roll negro surgido directamente del blues, más violento y rápido (Little Richard, Bo Diddley, Chuck Berry).
Año 1954: Presley, Elvis (Tupelo, Mississippi, 1935-Memphis, 1977) Cantante estadounidense. Descubierto en 1954 por Sam Phillips, muy pronto fue considerado rey del rock and roll. Con su expresión escénica
agresivamente sexual en Heartbreak hotel (1956) protagonizó un escándalo televisivo, recibiendo el sobrenombre de Elvis the pelvis. En ese mismo año rodó su primera película, Love Me Tender, a la que siguieron otras como Jailhouse rock (1957), King Creole (1958), El
indómito (1961) o Cita en Las Vegas (1964), todas ellas de gran éxito
comercial. En esos años Presley evolucionó hacia las baladas suaves,
pero en 1969 volvió al rock, logrando un éxito clamoroso con In the ghetto. Convertido desde entonces en ídolo de la clase media norteamericana, pasó sus últimos años recluido en su mansión de Memphis.
Año 1960: The Beatles, Conjunto musical inglés formado por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr. Comenzó sus actividades en Liverpool y alcanzó el éxito a partir de 1962. Disuelto en 1970, dejó tras de sí una inmensa popularidad entre la juventud, numerosas grabaciones discográficas y cuatro películas.
Año 1970: La música pop, nacida del contacto entre el blues negro y el rock, se definió en Who, Soft Machine y Pink Floyd en Gran Bretaña; Beach Boys, Jefferson Airplane, Mothers of un principio como la músicacomercial destinada al público joven. La aparición de los Beatles dio un sentido más preciso al término, y tras ellos, la música pop fue cultivada por otros grupos (Rolling Stones, Animals, Yardbirds, Moody Blues, The Invention, Byrds, Credence Clearwater Revival y Doors en EE UU) y por cantantes como Tom Jones, Elton John, Joe Cocker, Janis Joplin y otros que, como Bob Dylan y Joan Baez, dieron un contenido de protesta (contra las injusticias sociales y la guerra deVietnam) a sus canciones. La música pop también estuvo representada por guitarristas como Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jimmy Page y Mick Taylor. A partir de 1970, las dificultades para organizar festivales como los de Woodstock y la isla de Wight y la separación de los Beatles significaron el final de toda una época y el regreso a géneros muy diferentes a los que, sin embargo, se sigue aplicando el término música pop por razones estrictamente comerciales.
Historia de el Tango en la Argentina
El Tango baile originado en Buenos Aires en la primera mitad del s. XIX, en el que una pareja enlazada evoluciona en un espacio amplio.
MÚS. y DANZA. El tango es de origen incierto y de múltiples modalidades, entre las que destacan el tango flamenco, el antillano, el mexicano, el milonga y el más conocido y popular, el argentino.
Éste se empezó a interpretar en las calles suburbanas argentinas de la primera mitad del s. XIX, al compás de organillos callejeros y sólo por hombres, como una expresión del desgarro y el desarraigo de los inmigrantes. En sus principios fue considerada una danza prohibida por la buena sociedad bonaerense, debido a su ritmo violento, su erotismo y a que los que la practicaban vivían, en su gran mayoría, fuera de la ley. Los instrumentos típicos son la flauta, el piano y el bandoneón o acordeón piano. Musicalmente está escrito en compás de 2/4 y tiene forma binaria. A principios del s. XX, el tango penetró en el viejo Buenos Aires y se convirtió en un símbolo nacional argentino. La conquista del mercado internacional se produjo después de la I Guerra Mundial, cuando el tango se introdujo en Europa gracias a la aparición de numerosas casas discográficas dedicadas a su difusión -más de veinte, entre ellas Columbia, Records, Odeon, Victor-. Esto coincidió con la transición dentro del género hacia una nueva forma de entender el tango, incorporando otros instrumentos nobles, como el piano o el contrabajo, y respondiendo a la gran demanda que había creado la industrialización del mercado. La
«Vieja guardia» marcaría la dirección purista, basada en la improvisación de melodías y letras, frente a esa línea consumista, la «Nueva guardia», con Enrique Santos Discépolo como su más inspirado autor y Carlos Gardel su mejor intérprete, aplicada a satisfacer las necesidades de un mercado devaluado. La otra dirección que adoptó el tango después de la II Guerra Mundial es la opción crítica, que hace del tango una canción de protesta social.
Año 1915: Gardel, Carlos Gardés, llamado Carlos (Toulouse, 1890-Medellín, 1935) Cantante y actor argentino de origen francés. Acompañado de su madre, emigró a Argentina a los tres años. Durante sus primeros pasos artísticos, siendo aún muy joven, se hizo llamar el Morocho, nombre con el que recorrió los arrabales de Buenos Aires y Montevideo. En 1915 formó dúo con J. Razzano, con quien mantuvo sociedad artística durante diez años. Después de separarse de su compañero, inició una gira por Europa en 1925, año en que debutó en el teatro Apolo de Madrid y en París. En 1928, y con 70.000 discos vendidos en tres meses, fue reconocido internacionalmente como el mejor intérprete del tango argentino. En pleno apogeo de su fama, un accidente aéreo truncó su carrera y su vida. Además de interpretar éxitos como Caminito, Por una cabeza o Yira, fue compositor de sus propios tangos, entre los que destacan Arrabal amargo, Mi Buenos Aires querido, Melodía de arrabal, Sus ojos se cerraron y Volver. Su actividad cinematográfica se centró en Francia y en Hollywood, y sus películas, aunque mediocres, tuvieron gran éxito gracias a su voz y a su personalidad: Flor de durazno (1917), Luces de Buenos Aires (1931), Cuesta abajo (1934) y Tango Bar (1935).
Año 1935: Piazzola, Astor (Mar del Plata, 1921-Buenos Aires, 1992) Bandoneonista y compositor argentino. Estudió música en Nueva York y a los trece años grabó la banda musical de la película El día que me quieras de Carlos Gardel.
Entre 1946 y 1953: Piazzola compuso varias obras de música de cámara y sinfónica y popular (Rapsodia porteña, Sinfonía Buenos Aires, Balada para un loco)
Año 1954: Piazzola, tras una estancia en París inició una profunda renovación que desembocó en la creación de un tango moderno con influencias de música clásica y jazzística (lo que el compositor llamó «música contemporánea de Buenos Aires»).
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